X Salón "Mes del Artista Plástico Armando Reverón" 2011

Homenaje al maestro de la Luz

“La luz: que cosa tan seria es la luz!

¿Cómo podemos conquistarla?

Yo lo he intentado y esa ha sido mi lucha”

Armando Reverón 1889-1954

Año Bicentenario de la Proclamación de la Independencia, 2010

Año Bicentenario de la Declaración de Independencia, 2011

El Gobierno del Estado Mérida a través de la Fundación para el Desarrollo Cultural del Estado Mérida (FUNDECEM), las Coordinaciones, Unidades y Museos adscritos a la Fundación, conjuntamente con el Gabinete Ministerial de Cultura del Estado Mérida, presentan el X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón”. Para la presente edición la temática es de carácter libre, pero se invita a los participantes a una indagación que tiene como eje la visión artística de Armando Reverón, el interés social y la construcción de la identidad Venezolana y Latinoamericana. Invitamos de esta forma a los artistas presentar propuestas de investigación vanguardistas y creativas que promuevan el ámbito cultural y estético.

CRONOGRAMA DEL X SALÓN “MES DEL ARTISTA PLÁSTICO ARMANDO REVERÓN"

Convocatoria abierta:	15 de marzo
Publicación de las bases oficiales:	28 de marzo al 1 de abril
Fecha de inscripción y Recepción de obras:	Del 04 de abril al 07 de mayo
Selección y curaduría:	Del 9 al 12 de mayo
Museología y museografía:	Del 13 al 25 de mayo
Inauguración:	27 de mayo de 2011. 6:30 p.m. en los espacios de Museos de Arte Moderno y Museo de Arte Colonial de Mérida.
Clausura y entrega de la premiación:	01 de julio de 2011. 7:30 p.m.

BASES DEL SALÓN

1.- El X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón” tendrá lugar el 27 de mayo del 2011 en las instalaciones del Museo de Arte Moderno “Juan Astorga Anta” y Museo de Arte Colonial de Mérida.

2.- La Coordinación General estará integrada por la Presidencia y Junta Directiva de FUNDECEM.

3.- Las labores de recepción, registro, curaduría, museología, museografía, publicidad y promoción estarán bajo la responsabilidad de la Fundación a través de sus coordinaciones, unidades y museos adscritos al evento.

4.- La Coordinación General designa el Comité Organizador, el cual se encarga de supervisar cada una de las fases que se llevarán a cabo durante la realización del evento.

5.- La sede única de recepción de las obras será en el Museo de Arte Moderno “Juan Astorga Anta”, de acuerdo al horario establecido de la siguiente manera:

De lunes a viernes: de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.

No se recibirán obras después de la hora indicada.

6.- El proceso de selección de las obras se realizará del 9 al 12 de mayo de 2011, publicándose dicha selección en los distintos medios de comunicación social regionales. Luego de este periodo el plazo máximo para retirar las obras no aceptadas será de quince (15) días hábiles, en horario de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m., en el Museo de Arte Moderno “Juan Astorga Anta”. Cumplido el plazo, el comité organizador podrá disponer de las obras según lo estime conveniente.

7.- Podrán participar todos los artistas plásticos venezolanos, y extranjeros de no menos de diez (10) años de residencia en el país, con obras inéditas de creación individual o colectiva realizadas durante los años 2010-2011.

8.- La temática es de carácter libre, pero se invita a los participantes a una indagación de la obra del artista Armando Reverón a través de la visión y conceptualización propia, en función de enriquecer el aspecto socio-cultural de la identidad venezolana y latinoamericana.

9.- Las modalidades de participación son: bidimensionales, tridimensionales y nuevas tendencias. Los formatos máximos para cada modalidad son:

Bidimensional: máximo de 200 x 200 cm. Peso máximo 70 Kg.

Tridimensional: máximo de 300 x 300 x 300 cm. Peso máximo 70 kg.

Nuevas tendencias: previa evaluación del proyecto.

10.- Las propuestas tridimensionales, arte conceptual, intervenciones e instalaciones, serán evaluadas mediante proyectos, sólo se ejecutarán una vez aprobadas por el jurado de selección. Luego de la aprobación, la(s) propuesta(s) no podrán ser modificadas o alteradas por el artista. En el caso de las instalaciones, los componentes de las mismas deberán ser consignados en perfecto estado y corren por cuenta del autor, así como todos los gastos relacionados para la consolidación de la obra.

11.- Los artistas que sean seleccionados en las categorías de instalaciones, no pueden realizar intervenciones que afecten a la infraestructura de los museos.

12.- El traslado de las obras desde su lugar de origen al Museo de Arte Moderno “Juan Astorga Anta” correrá por cuenta del (la) artista. La organización no se hace responsable de traslado ni de los gastos que ocasione la instalación de una obra seleccionada.

13.- El Comité Organizador no realiza gestiones ante terceros en la consecución de recursos materiales, tecnológicos o financieros para la ejecución de la obra presentada por los artistas.

14.- El Comité organizador no se hace responsable de los posibles daños que sufran las obras en las cuales los artistas utilicen soportes y medios expresivos con materiales inestables o de cualquier otra naturaleza, que propicie la fragilidad y el riesgo en depósito, traslado, manipulación, montaje y exhibición. Tampoco podrá exigirse responsabilidad por pérdida parcial o total de la obra cuando las causas obedezcan a inobservancia de esta regla.

15.- Al momento de consignar la obra, el artista debe llenar las planillas de inscripción y recepción de obra respectiva con sus datos personales completos, y debe firmarlo como único documento válido para su retiro.

16.- Cada participante deberá consignar fotocopia de la cédula de identidad y la síntesis curricular (o dossier) que contemple los últimos tres años de actividad artística (no mencionar acciones que no tengan que ver con la actividad artística), fotografía de la obra, ficha técnica y en el caso de formatos bidimensionales, la obra debe estar identificada al reverso. La consignación de información deficiente o confusa afectará la calidad del contenido curricular que aparezca en el catálogo; incluso, los datos incompletos pueden ser omitidos en el mismo.

17.- Las obras consignadas deben estar plenamente identificadas y fácilmente legibles, con su ficha técnica y nombre del autor. El no cumplimiento de estas cláusulas será motivo de rechazo de la obra.

18.- El Jurado estará compuesto por dos grupos: el Jurado Curatorial y el Jurado de Premiación, integrados por especialistas en arte de reconocida trayectoria local y nacional.

19.- La organización mantendrá estrictamente la reserva del Jurado de Selección. Cualquier abordaje o interferencia de parte de algún participante para influir en la decisión del Jurado, sea quien fuere, será motivo de descalificación.

20.- El Jurado de la Premiación se dará a conocer a su debido tiempo.

21.- La premiación correspondiente al X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón” tendrán carácter adquisitivo y estará distribuida de la siguiente manera:

1er. Premio “Armando Reverón” mejor premio de cualquier modalidad: Bs. 15.000,00

2do.Premio para la modalidad bidimensional: Bs. 5.000,00

3cer. Premio para la modalidad tridimensional: Bs. 5.000,00

4to. Premio para la modalidad de nuevas tendencias: Bs. 5.000,00

5to. Premio de apreciación del público: Bs. 5.000,00

22.- Ningún premio puede declararse desierto.

23.- El jurado de calificación otorgará una (1) mención honorífica (sin premiación en moneda nacional) por cada modalidad para un total de tres menciones, de acuerdo a lo que considere pertinente.

24.- Durante la exhibición de la exposición, se instalará un buzón en cada museo, a fin de invitar a la colectividad a votar por la obra de su agrado. La obra que capte mayor número de votos por la apreciación del público, tendrá la valoración del quinto premio.

25.- Las obras ganadoras pasarán a formar parte de la colección en resguardo del museo respectivo donde haya participado.

26.- La clausura y entrega de premiación del X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón” será el 1 de julio del año 2011, a las 7:00 p.m. en la sede del Museo de Arte Moderno “Juan Astorga Anta”, Centro Cultural Tulio Febres Cordero, donde también se hará entrega del respectivo certificado de participación, reconocimientos y premiación a los artistas.

27.- Luego de concluida la exposición, el plazo máximo para retirar las obras expuestas en el salón será de quince (15) días hábiles, en horario de martes a viernes de 9:00 a.m. a 4:00 p.m., en el Museo donde se haya expuesto la obra respectiva. Después de cumplido el plazo, el Comité Organizador podrá disponer de las obras según lo estime conveniente y sin derecho a indemnización o reclamo alguno.

28.- La inscripción en el X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón” implica el acatamiento de las presentes bases. El desconocimiento de las mismas será motivo suficiente para la descalificación.

29- El artista que haya obtenido el primer premio en las dos anteriores ediciones del X Salón “Mes del Artista Plástico Armando Reverón” en sus dos (2) últimas ediciones no podrá optar por el mismo premio.

30.- Lo no previsto en estas bases será resuelto por el Comité Organizador.

MAS INFORMACIÓN Y PLANILLA DE INSCRIPCIÓN

Invitación a la exposición "Deyabú" Rodolfo Villaplana / Ivan Romero

Deyabú

El fenómeno psicológico llamado “dejavú”, la extraña sensación de lo ya visto, suele movilizar el ancestral oficio de la reminiscencia. Su aparición nos interroga la memoria y a través de ella la identidad y el hilo verdadero de la propia historia. Su imprevisto mecanismo homologa e invierte, desde una vivencia ingenua y serena, el de “Lo siniestro”, ese estado opuesto que Freud describió como un sentimiento extraño en lo familiar. El segundo impregna sordamente de angustia lo que en el primero aparece como súbita sorpresa. Ambos nacen de interrogar la cotidianidad dogmatica con una dimensión desconocida. Esa perplejidad tiene el don de relativizar el orden del tiempo, las jerarquías sólidas que igualmente nos sostienen y nos resisten. Para esta exposición, “Deyabú”, con todo el vigor coloquial, parece sugerir con ironía esa suerte de repetición inquietante. Como lo prueba el tiempo, ninguna repetición repite igual, especialmente en las apuestas del arte: los mismos dados cambian en cada tirada.

El final de la pintura o la abolición de su novedad, ya que de eso se trata, gira en el ancho orbe polémico de nuestra época, pero lo cierto es que su crepuscular dictamen pertenece más a la historia del arte que a su ejercicio real. Su constante retorno, el tenaz ejercicio de sorpresa, ilustra que pintar sigue siendo un anhelo remoto y actual, un fervor originario para poblar de sentido todas las culturas, con prescindencia de las épocas. Sabemos que pintar preexiste a la escritura y que su función simbólica ha sido paralela a la del lenguaje. Los vertiginosos medios nuevos y la rebosante civilización digital parecen haberla enviado a la prehistoria, pero su impulso siempre vuelve. No se trata de la mala salud de hierro de un género que se resiste, sino de la presencia irreversible de una condición central de la expresión humana. Su trazo ha distanciado y aproximado al mundo, y lo ha reformulado desde las paredes de las cuevas hasta nuestros días; también acostumbra a retornar sobre su propia historia para repasarla, revisarla y reflexionarla; una afirmación poderosa de que su trascendencia ocurre dentro de sí misma.

David Hockney había sostenido que la invención de la fotografía en 1839 no era la muerte de un arte, como a veces se sostuvo, sino su continuación, el perfeccionamiento de las cámaras oscuras, los espejos y los artificios ópticos que habían desarrollado los pintores desde siglos atrás. La fotografía tan sólo habría incorporado la química a la exploración de aquellos ingeniosos gabinetes renacentistas. En algún sentido, es el mismo soplo de la pintura, la incansable avaricia del ojo antiguo que atravesaba la ambición del daguerrotipo. Igualmente, es ese mismo arcano imaginario el que sostiene tanta ingeniería visual actual, ya desprendida del oleo y el pincel al que continúan. No obstante, aquel vínculo original persiste vivo, no como ceremonia iniciática del arte, sino como protoplasma de la visualidad, oferta que se muestra ineludible desde la infancia. Nos resulta enfáticamente vigente en un tiempo que disuelve los sentidos lineales de la historia y sus fetichizadas etapas. No hay allí repetición en la pintura, sino comentario desde el oleo mismo. Distinta que la ciencia, el arte no requiere el progreso: en el origen está la meta solía decir K Kraus.

El intento de pintar, retomar el color y las formas, adquiere por ello en Rodolfo Villaplana el carácter de una doble afirmación. Su experiencia no desconoce la historia, el diseño, y los nuevos desarrollos que su pintura retoma como diálogo y rememoración. Esa conciencia contemporánea se expresa en la práctica de esbozar situaciones clásicas, con recorridos vigorosos del óleo, para hacer visualmente tratable las extrañas condiciones humanas, sus estados límites, con proyectos de captación de lo sufriente, narración inacabada, señal con que la pintura nos indica su propio nacimiento para redimir lo real. Un espacio dislocado, exasperante, suele acompañar ese interior puesto afuera.

En el caso de Ivan Romero, su ahondamiento en las formas prescinde de todo compromiso que no sea “el momento”, ese vellocino de oro de los impresionistas, ilustrando que el impresionismo no pertenece tanto a la historia del arte como a la eterna épica del instante. En este caso, con envolturas subjetivas en paisajes locales, presencias mínimas y vértigos anímicos del Caribe, con los que hereda, sin duda, la vocación histórica por la luz que caracteriza nuestra pintura. Ese magma vivencial procura demorarse en resonancias que susciten prolongadas reminiscencias y amplíen la meditación.

Ambos pertenecen a una generación venezolana más suspendida, sin deudas con la historia, las corrientes y las academias, por lo que avanzan naturalmente a renovar la pureza del origen, una primigenia fidelidad a la dicha elemental de la pintura.

Fernando Yurman

Anish Kapoor en el Guggenheim de Bilbao 15 mar 2010

54 Bienal Internacional de Venecia

Espacios tres lecturas de la plástica nacional en la Bienal Internacional de Arte de Venecia.

Espacios se titula la propuesta que presentarán los artistas venezolanos Francisco Bassin, Yoshi y Clemencia Labin en la edición 54 de la Exposición Internacional de Arte, Illuminazioni, Bienal de Venecia, a celebrarse entre el 4 de junio y el 27 de noviembre de 2011, en Italia.

Articulada en torno a tres propuestas artísticas contemporáneas; dos de carácter individual y una de carácter colectivo, Espacios nace de la idea de estudiar y analizar tres posibilidades plásticas de interacción entre la obra de arte, el espectador y el contenedor, es decir, tres lecturas que signan la condición fundamental de las artes visuales.

Con el apoyo del Ministerio del Poder Popular para la Cultura y la embajada de Venezuela en Italia, con Javier Cerisola como comisario y bajo la curaduría de Luis Hurtado, esta muestra pretende establecer una correspondencia específica con el lugar expositivo: el pabellón diseñado por Carlo Scarpa, en 1954, para Venezuela en la Bienal de Venecia; un edificio que plantea tres salas relacionadas de manera tal que mantienen entre sí relativa autonomía.

Gran Interior de Francisco Bassim, es la primera de las dos propuestas artísticas de carácter individual que se darán cita en el pabellón venezolano, y ocupará la Sala Mayor. Una obra eminentemente pictórica y envolvente, en el sentido más literal de estos términos, que remite de modo directo a polémicos bordes conceptuales entre lo artístico y lo decorativo.

Solaris de Yoshi, (instalación Sala Menor), trabaja la recepción de la luz y su potencial plástico desde el papel blanco plegado a mano. Una propuesta que devela, tras la influencia del arte oriental, el legado de los maestros del constructivismo venezolano.

La Velada Santa Lucía (video Sala Externa), es un proyecto colectivo creado y organizado anualmente en la ciudad de Maracaibo por Clemencia Labin, en el cual el arte contemporáneo se cristaliza en pretexto para la apropiación de la calle. La Velada Santa Lucía invita al reconocimiento socio-cultural de una comunidad que abre su intimidad aun grupo de artistas locales, nacionales y extranjeros, para lograr así una suerte de gran ensamblaje arte-cotidianidad.

Los artistas Francisco Bassim, Yoshi y Clemencia Labin, en el devenir de su carrera artística cuentan con varias exposiciones tanto individuales como colectivas foránea y nacionalmente. Yoshi, artista tachirense ha desarrollado su labor creadora en Venezuela. En el caso específico de Bassim ha mostrado su talento en escenarios expositivos en Venezuela, Italia, Colombia, EEUU, Finlandia, Japón y México. Por su parte, Labin ha expuesto en EEUU, Venezuela y Alemania, siendo estos dos últimos países lugar de trabajo y residencia. (FIN / IARTES)

Invitación a la exposición: DE LA HERENCIA A LO HEREDADO

Oficina#1 tiene el inmenso placer de presentar la primera exposición individual del artista Oscar Abraham Pabón De la Herencia a lo Heredado a partir del próximo 6 de abril en la que reflexiona sobre las contradicciones aparentes entre “pureza” y “ornato”.

La propuesta de este joven artista y arquitecto se orienta al uso del arte contemporáneo como campo especulativo y experimental, como herramienta para pensar el espacio. A partir de sus investigaciones en el campo de la arquitectura reflexiona sobre los avatares del proyecto moderno en nuestro entorno para señalar “las contradicciones e incongruencias entre los presupuestos teóricos y los resultados concretos” que se manifiestan en algunos de sus aspectos en la arquitectura de nuestras ciudades, en las cuales según el artista “lo proyectado se ha revelado de otra forma” para devolvernos un rostro diferente que no responde a lo que en un principio se imaginó.

Es así como tomando el paisaje social como materia de trabajo en su relación con el devenir de ciertos proyectos idealistas se torna el punto de partida a partir del cual Abraham desarrolla esta propuesta expositiva que toma como referencias, por una parte los postulados que desarrollara el arquitecto Adolf Loos en su ensayo “Ornamento y Delito” de 1908, y por otra el sociólogo Zygmut Baunman en relación ala “Modernidad Líquida”, para situarnos en un enfoque que se desarrolla desde “la herencia prometida” a lo que ha sido “heredado”.

Entendiendo la ciudad como ese espacio que se conforma por el paisaje social y el paisaje histórico, que es por naturaleza híbrido y plural, el artista pone en relieve las relaciones y contradicciones que se producen entre la pureza y el ornato para hacer de estas tensiones una suerte de eje que recorre toda la muestra, ya sea a través del diseño industrial de una silla, las imágenes fotográficas de un asentamiento de viviendas espontáneas en San Juan de Colón (Estado Táchira), un video documental que se articula con fragmentos del libro Mensaje sin Destino (1951) de Mario Briceño Iragorry o una pieza escultórica que trasmuta el ladrillo de uso común en una pieza impoluta de “construcción”.

Oscar Abraham Pabón recientemente ganó la beca de formación profesional que otorga la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) de la Fundación Cisneros a artistas venezolanos para participar en el Centro de Investigaciones Artísticas, CIACENTRO, de Buenos Aires, Argentina.

Oscar Abraham Pabón (1984) es arquitecto egresado de la Universidad del Táchira, UNET (2008). Ha expuesto de manera individual en la Galería de arte Kiosko, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia (2010); Galería de Arte “Demetrio Silva”, Mcp. Anzoátegui, Edo. Cojedes, Venezuela (2005); Galería de Arte Manuel Osorio Velasco, San Cristóbal Estado Táchira, Venezuela (2004); Galería de Arte el Punto, San Juan de Colón, Estado Táchira, Venezuela (2004); Espacio de Artes Visuales UNET, San Cristóbal, Estado Táchira, Venezuela (2003). Realizó en 2006 una intervención urbana en Coquimbo, Chile; y ha participado en numerosas muestras colectivas entre ellas el XIII Salón SuperCable Jóvenes con FIA, “Donde cabemos todos”, Sala Corp Banca, Caracas (2010) donde obtuvo el Tercer Premio, y el I concurso Internacional “Alameda Sol de Oriente”, Centro Cultural de Calí, Santiago de Calí, Colombia, en el cual obtuvo el Premio Escultura.

La exposición “De la herencia a lo heredado” de Oscar Abraham Pabón permanecerá abierta en Oficina#1 hasta el domingo 1 de mayo, de martes a viernes de 2 a 6 pm, fin de semana de 11 am a 4 pm.

Oficina #1

Galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones 29-11. Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros-Los Dos Caminos. Caracas 1071, Venezuela.

http://www.oficina1.com/ / oficinanumero1@gmail.com